Evento presencial.

Uso obligatorio de cubrebocas.

Entrada libre.

La Orquesta de Cámara de la Universidad Michoacana es un ensamble de alto nivel de la Casa de Hidalgo. Fundada en 1993, la OCUM se ha ​​consolidado a lo largo del tiempo como una orquesta de nivel profesional e importante trayectoria en todo el país. Su temporada de conciertos ya es una tradición cultural en la ciudad de Morelia, con sus diversos directores invitados y un repertorio que va desde obras clásicas, música mexicana, óperas, música contemporánea y mucho más.

En estos tiempos de cambio y adaptación tecnológica, la OCUM sigue adelante, llevando la música hasta la seguridad de sus casas y eventos presenciales con todas las medidas sanitarias. La orquesta sostiene la consigna de seguir compartiendo el arte y el amor por la música; es por eso que la temporada de conciertos 2022 sigue en un formato en línea a través de nuestro canal en YouTube (Cultura UMSNH).

Así que, sin más,

¡Sigamos disfrutando de la música!

PROGRAMA:

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NOTAS AL PROGRAMA:

En este programa la OCUM ofrece un recorrido por el aun poco conocido mundo musical británico, abarcando desde el siglo XVII con Henry Purcell hasta mediados del XX con John Ireland.

Henry Purcell (1659-1695) inició su carrera musical como niño cantor en la iglesia anglicana.

En 1682 Purcell (1659-1695) asumió el cargo de organista en la Capilla Real (Chapel Royal) en Londres. Sus deberes allí incluían la composición de música sacra, odas y canciones dedicadas a la familia real, así como obras para el ensamble de la corte “Twenty Four violins”. Se cree que la Suite en sol Z770 fue una de las composiciones escritas para este ensamble. La obra da comienzo con una Obertura en dos tiempos. El primero es un “Andante” en el que el violín primero destaca por sus ritmos punteados al estilo de una obertura francesa. El segundo tiempo, una danza de espíritu festivo, es comenzado por el violín primero, al que se suman paulatinamente los otros instrumentos a la manera de un canon. El resto de los movimientos de la obra son “Air”, “Boureé”, “Minuet”, “Air” (referido también como Rigaudon en algunas versiones) y “Jigg”. Todos ellos presentan una sencilla forma binaria y un diseño temático caracterizado por melodías sencillas, alegres y breves. Dado el carácter danzable de varios de sus movimientos –como el segundo tiempo de la Obertura, el “Bourée”, el segundo “Air” y el “Jigg” – es muy posible que la Suite en sol haya sido escrita para una ocasión festiva.

William Boyce (1711-1779) inició su educación musical en la Catedral de San Pablo de Londres, inicialmente como niño cantor y poco después como organista y copista. Hacia 1730 las primeras composiciones de Boyce comenzaron a florecer. Canciones, cantatas, odas, y mascaradas (teatro musical) fueron los géneros con que inició su larga y exitosa carrera musical. Su contemporáneo el historiador Charles Burney (1726-1814) nos ofrece la siguiente perspectiva sobre el compositor británico: “Hay un mérito original y sólido en sus obras, fundadas tanto en el estudio de nuestros propios antiguos maestros, como en el de los mejores modelos de otros países, lo que confiere a todas sus obras un sello peculiar y un carácter único, de fuerza, claridad, y facilidad, sin ornamentos extraños o heterogéneos”. El lenguaje armónico de Boyce es esencialmente diatónico y deliberadamente constreñido, pues opinaba que “la habilidad de un artista se muestra mejor, no al abandonar la tonalidad original, sino en mantenerse dentro de ella, y produciendo, mediante los intercambios de sus consonancias, toda la variedad de armonía de la que puede ser capaz”. Si bien no está exento de sencillas modulaciones (cambios de tonalidad) en cada movimiento, el Concerto grosso en mi menor parece reflejar esta concepción. Sus movimientos son Largo, Fuga, Siciliana, y Allegro. La Siciliana, en sol mayor, se distingue del resto de los movimientos por dos rasgos: es el único que no está en la tonalidad de mi menor, y, es interpretado exclusivamente por el grupo concertino (violín I concertino, violín II concertino, y violonchelo concertino).

El destacado compositor inglés Hubert Parry (1848-1918) se especializó en leyes, historia moderna, y, por supuesto, música. Sus conocimientos en estos ámbitos le llevaron a contribuir extensamente al famoso Dictionary of music and musicians de George Grove. También fue director del Royal College of Music en Londres hacia finales del siglo XIX, donde dictó cátedra de historia de la música. Es recordado además como maestro de compositores de la talla de Vaughan Williams y Gustav Holst. En el curso de su formación musical estudió intensamente las obras de contemporáneos suyos como Liszt, Tchaikovski, Brahms y Wagner. Pese a su entusiasta admiración por este último, la mayor parte de su obra tiene un corte conservador. Un buen ejemplo de ello es la Suite inglesa en sol mayor (English Suite). De ella los críticos destacan un inconfundible carácter inglés, así como un espíritu pastoril y apacible. Aunque la suite fue compuesta a lo largo de varios años, se cree que la mayor parte de ella fue escrita en 1914. Parry no determinó el orden en que habrían de tocarse sus siete movimientos. La mayoría de las interpretaciones siguen este orden: Prelude, in Minuete Style, Saraband, Caprice, Pastoral, Air, y Frolic.

La carrera creativa del compositor y pianista británico John Ireland (1879-1962) abarcó un periodo de casi 50 años. De su periodo de madurez compositiva escucharemos el Concertino pastorale, compuesto en 1939 para el Festival de Canterbury. Como refiere el musicólogo Hugh Ottaway, en su lenguaje musical de este periodo hay un “lirismo inglés más cercano a Elgar que a Vaughan Williams, una armonía cromática y distintiva, y un balance de interés que muestra fuertes raíces en la tradición clásica-romántica”. Los títulos de los movimientos del Concertino pastorale son : Eclogue (égloga), que es un término referente a una composición poética del género bucólico en la que suelen dialogar pastores; Threnody, lamento o elegía; y Toccata, que refiere a una forma musical virtuosística que se origina en el renacimiento. La Eclogue comienza con un pedal (una nota sostenida) en re a cargo de los violines. Sobre este fondo los violoncellos y bajos entonan un ominoso tema musical. Tras esta sección oscura y por momentos ríspida, sigue un Allegreto que repite el mismo tema, pero esta vez con un espíritu lírico. Poco más tarde viene un segundo tema de carácter folclórico. Threnody se caracteriza por su cualidad lírica y cantábile. En la Toccata el interés reside más en el ímpetu rítmico, el color y la textura que en los materiales temáticos. Una breve sección intermedia ligeramente más lenta contrasta con el carácter vivaz y brillante con que inicia y culmina la pieza.

Notas por Heriberto Cruz Cornejo.




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